Творчество Рембрандта
Творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606—1669) знаменует наивысший
расцвет голландского искусства XVII века и одну из вершин мирового
искусства вообще. Демократическое и истинно гуманное, проникнутое горячей
верой в торжество справедливых жизненных начал, оно воплотило в себе самые
передовые и жизнеутверждающие идеи своего времени. Художник поднял
изобразительное искусство на новую ступень, обогатив его небывалой
жизненностью и психологической глубиной. Рембрандт создал новый живописный
язык, в котором главную роль играли тонко разработанные приемы светотени и
насыщенный, эмоционально напряженный колорит. Духовная жизнь человека стала
отныне доступной изображению средствами реалистического искусства.
Рембрандт выступил новатором во многих жанрах. Как портретист, он явился
создателем своеобразного жанра портрета-биографии, где долгая жизнь
человека и его внутренний мир раскрывались во всей своей сложности и
противоречивости. Как исторический живописец, он претворил далекие античные
и библейские легенды в согретый высоким гуманизмом рассказ о реальных
земных человеческих чувствах и отношениях.
Середина 1630-х годов — время наибольшей близости Рембрандта к
общеевропейскому стилю барокко, пышному и шумному, насыщенному театральным
пафосом и бурным движением, контрастами света и тени, противоречивым
соседством натуралистических и декоративных моментов, чувственности и
жестокости.
В барочный период написано «Снятие с креста» (1634). Картина
иллюстрирует евангельскую легенду о том, как Иосиф Аримафейский, Никодим и
Другие ученики и близкие Христа, получив разрешение Пилата, сняли ночью
тело Христа, завернули его в богатую плащаницу и похоронили. [pic]Легенда
рассказана Рембрандтом с потрясающей жизненной правдой. Трагическая смерть
учителя и сына повергла участников события в глубокое горе. Художник
вглядывается в лица, стараясь проникнуть в души людей, прочесть реакцию
каждого на происходящее. Взволнованно передает он обморок Марии, матери
Христа, плач и стенания женщин, страдание и скорбь мужчин, испуг и
любопытство подростков.
В этом произведении Рембрандт отталкивался от известной картины Рубенса
того же названия, используя отдельные композиционные мотивы великого
фламандца и стремясь превзойти его в выражении душевных движений героев.
Другим важным достижением этой картины, наряду с индивидуализацией чувств
действующих лиц, явилось использование света для достижения цельности
многофигурной композиции. Три главных момента легенды — снятие с креста,
обморок Марии и расстилание плащаницы — освещены тремя различными
источниками света, интенсивность которых убывает сообразно с уменьшением
значения сцены. [pic] Начало нового периода в жизни и творческой
деятельности мастера было отмечено двумя важными событиями, которые
произошли в 1642 году: безвременной смертью Саскии, горячо любимой жены,
оставившей ему годовалого сына, и созданием картины «Ночной дозор»—
большого группового портрета амстердамских стрелков, самого знаменитого
произведения мастера.
Семейная трагедия и завершение ответственного заказа поставили Рембрандта
перед сложными проблемами личной и творческой жизни. Художник выходит из
этого кризиса возмужавшим и умудренным. Его искусство становится серьезнее,
собраннее и глубже, а главное, в нем все явственней проступает интерес к
внутренней жизни человека, к тому, что творится в его душе.
В тесной связи с эволюцией творчества Рембрандта в 1640-е годы следует
рассматривать и одно из главнейших произведений художника — «Даная», хотя
на картине стоит дата 1636. На создание образа Данаи, легендарной греческой
царевны, заточенной своим отцом, чтобы избежать предсказанной ему гибели от
руки внука, Рембрандта вдохновила его первая любовь — Саския. Но через
десять лет, как показали новейшие исследования, художник, неудовлетворенный
первоначальным решением, существенно перерабатывает образ главной героини.
Моделью для окончательного варианта картины послужила ему, по-видимому,
Гертье Диркс, молодая вдова, поселившаяся в доме Рембрандта после смерти
Саскии сначала как нянька годовалого Титуса, а затем и на правах полной
хозяйки. Таким образом, голова, правая рука и в значительной степени тело
Данаи, ожидающей в своей темнице возлюбленного (по легенде, влюбившийся в
Данаю Зевс проник к ней в виде золотого дождя), а также фигура старухи-
служанки оказались написанными заново, в смелой широкой манере середины и
второй половины 1640-х годов. Почти все остальные детали картины остались
такими, какими были написаны в 1636 году, характерным для предшествующего
периода аккуратным, рисующим мазком.
Значительным изменениям подвергся и колорит картины. В первоначальном
варианте господствовали холодные тона, типичные для середины 1630-х годов.
Заменив золотой дождь первого варианта золотым светом, как бы предвещающим
появление влюбленного бога, Рембрандт выполняет теперь центральную часть
картины в теплом тоне с золотистой охрой и красной киноварью в качестве
доминант.
Во втором варианте, то есть в 1646—1647 годах, Даная получила и углубленную
психологическую характеристику, благодаря которой раскрылся сокровенный
внутренний мир женщины, вся сложная и противоречивая гамма ее чувств и
переживаний. «Даная», таким образом,—наглядный конкретный пример
становления знаменитого рембрандтовского психологизма. [pic]
Творчество Рембрандта 1650-х годов отмечено прежде всего достижениями в
области портрета. Внешне портреты этого периода отличаются, как правило,
большим размером, монументальными формами. спокойными позами. Модели обычно
сидят в глубоких креслах, положив на колени руки и повернувшись прямо к
зрителю. Светом выделены лицо и кисти рук. Это всегда пожилые, умудренные
долгим жизненным опытом люди — старики и старухи с печатью невеселых дум па
лицах и нелегкого труда на руках. Подобные модели давали художнику
блестящие возможности показать не только внешние приметы преклонного
возраста, но и духовный облик человека. В собрании Эрмитажа эти работы
хорошо представлены незаказными портретами:
«Старик в красном», «Портрет старушки» и «Портрет старика еврея».
Мы не знаем имени человека, послужившего моделью для портрета «Старик в
красном». Рембрандт писал его дважды: в портрете 1652 года (Национальная
галерея, Лондон) он изображен сидящим в кресле с подлокотниками, в глубокой
задумчивости склонившим голову на правую руку; эрмитажный вариант трактует
ту же тему— человек наедине со своими думами. На этот раз художник
применяет строго симметричную композицию, изображая неподвижно сидящего
старика в фас. Но тем заметнее движение мысли, едва уловимая смена
выражения лица: оно кажется то суровым, то более мягким, то усталым, то
вдруг озаренным приливом внутренней силы и энергии. То же происходит и с
руками: они кажутся то судорожно сжатыми, то лежащими обессиленно. Художник
достигает этого прежде всего благодаря блестящему мастерству светотени,
которая в зависимости от ее силы и контрастности вносит в изображение
элегическую расслабленность или драматическое напряжение. Огромную роль
играет при этом и манера нанесения краски на холст. Изрытое морщинами лицо
старика и узловатые натруженные руки обретают художественную,
выразительность благодаря вязкому месиву красок, в котором переплетающиеся
жирные мазки передают структуру формы, а тонкие лессировки придают ей
движение и жизнь.
Безымянный старик в красном с подчеркнутым достоинством, силой духа и
благородством стал выражением новой этической позиции художника,
открывшего, что ценность личности не зависит от официального положения
человека в обществе.
К середине 1660-х годов Рембрандт завершает свое самое проникновенное
произведение — «Возвращение блудного сына». Его можно рассматривать как
завещание Рембрандта-человека и Рембрандта-художника. Именно здесь идея
всепрощающей любви к человеку, к униженным и страждущим — идея, которой
Рембрандт служил всю свою жизнь,— находит наивысшее, совершеннейшее
воплощение. И именно в этом произведении мы встречаемся со всем богатством
и разнообразием живописных и технических приемов, которые выработал
художник за долгие десятилетия творчества.
Оборванный, обессиленный и больной, промотавший свое состояние и
покинутый друзьями, появляется сын на пороге отчего дома и здесь, в
объятиях отца, находит прощение и утешение. Безмерная светлая радость этих
двоих — старика, потерявшего всякие надежды на встречу с сыном, и сына,
охваченного стыдом и раскаянием, прячущего лицо на груди отца,— составляет
главное эмоциональное содержание произведения. Молча, потрясенные, застыли
невольные свидетели этой сцены.
Художник предельно ограничивает себя в цвете. В картине доминируют
золотисто-охристые, киноварпо-красные и черно-коричневые тона при
бесконечном богатстве тончайших переходов внутри этой скупой гаммы. В
нанесении красок на холст участвуют и кисть, и шпатель, и черенок кисти; но
и это Рембрандту кажется недостаточным—он наносит краски на холст
непосредственно пальцем (так написана, например, пятка левой ноги блудного
сына). Благодаря разнообразию приемов достигается повышенная вибрация
красочной поверхности — краски то горят, то сверкают, то глухо тлеют, то
как бы светятся изнутри, и ни одна деталь, ни один, даже самый
незначительный, уголок холста не оставляет зрителя безучастным.
Только умудренный огромным жизненным опытом человек и великий,
проделавший большой путь художник мог создать это гениальное и простое
произведение.
В «Возвращении блудного сына» ничего не происходит и ничего не
произносится — все было сказано, передумано, выстрадано и перечувствовано
давным-давно, в годы долгого ожидания, но есть радость встречи, тихой и
светлой...
«Возвращение блудного сына» было последним большим произведением мастера. В
1669 году Рембрандт умер.
Использованная литература:
1. Ю. Кузнецов. «Голландская живопись XVII – XVIII веков в Эрмитаже».
Издательство «Искусство», Ленинградское отделение,1988г
2. «Эрмитаж. Планы выставок» составитель Ю.Шапиро. Лениздат, 1977г.
3. «Энциклопедический словарь юного художника» составители Н. Платонова и
В. Синюков, Изд-во «Педагогика», Москва, 1983г. |
