Театр как центр просвещения
эта работа была сделана на заказ!
список оригинальных работ( больше 100) в режиме off-line вы можете
посмотреть по адресу:
http://www.sinor.ru/~ranger/Ref
также вы найдете много учебной литературы и статей по всем предметам в
моей библиотеке on-line
http://www.sinor.ru/~ranger
Контрольная работа
По Культурологии
Театр – как центр просвещения
Студент:
Преподаватель:
Новосибирск 1999г.
Содержание
|Введение |Стр. 3 |
|1. Сущность театра , его назначение |Стр. 5 |
|2. Театральное искусство, его особенности |Стр. 6 |
|3. Театр средневековья |Стр. 8 |
|4. Театральное искусство в России 19 века |Стр. 9 |
|Заключение |Стр. 15 |
|Литература |Стр. 16 |
Введение
Никто на свете не установил, да и не установит точного года рождения
театра.
Никто на всем свете не сказал, да и не скажет, на каком листке календаря
следовало бы обозначить его первоначальную дату.
Время существования театра измеряется небывалой по историческим масштабам
мерой — временем существования самого рода человеческого.
День возникновения театра сокрыт за горной грядой давно ушедших веков и
тысячелетий, в глубинах древнейшей, наиболее отдаленной от нас эпохи
истории человечества. Той эпохи, когда человек, впервые взявший в свои руки
орудия первобытного труда, становился человеком.
Приобщение к труду принесло ему поэтическое прозрение: человек стал
обретать в себе поэта, эстетическую способность поэтического восприятия
мира.
В те далекие века у только что нарождавшейся поэзии не было могучих
крыльев, ее еще не коснулось мощное дыхание вольного полета. До какого-то
срока, до какой-то поры назначение ее сводилось только к подчиненному
сопровождению обрядов и ритуалов, утверждавшихся в быту первобытной общины.
А когда подошло уже время ее зрелости, самостоятельности поэтического
существования, поэзия вырвалась на свободу, оборвав путы прежней
нераздельности с бытом. И тогда-то наступило время сближения судьбы поэзии
с судьбой театра.
В золотую пору детства человечества первые поэты земли — великие греческие
трагики Эсхил, Софокл, Еврипид, как добрые гении поэзии склонились над
колыбелью театра. Они вызвали его к жизни. И они обращали его к служению
людям, к прославлению духовного могущества человека, его неукротимой силы,
нравственной энергии героизма. За прошедшие с той поры тысячелетия все
еще не померкло имя одного из первых героев театра. Им был Прометей Эсхила
— мятежный богоборец, осужденный 'Зевсом на вечные муки за служение людям,
за то, что добыл для них огонь, научил их ремеслам и наукам. Навечно
прикованный к скале, он гордо славил свободу и достоинство человека:
Знай хорошо, что я б не променял
Своих скорбей на рабское служение;
Мне лучше быть прикованным к скале,
Чем верным быть- прислужником Зевеса.
Героя Эсхиловой трагедии «Прометей прикованный» Маркс называл самым
благородным святым и
мучеником в философском календаре... Вместе с Эсхилом столь же страстно
славил чело-( века младший его современник, Софокл:
Много в природе дивных сил,
Но сильней человека нет.
За ними, могучими своими предшественниками, поднимался Еврипид — самый
трагедийный поэт античного мира. И, быть может, самый бесстрашный.
Отрешаясь от заданности мифологических сюжетов, он выковывал реальные
характеры людей, живущих накаленными страстями, накаленными чувствами,
мыслями, переживаниями.
. Эсхил, Софокл и Еврипид положили — по свидетельству истории — великое
начало великому делу. Делу вечному! Столетие за столетием — во все
времена, во все эпохи, прожитые неисчислимыми человеческими поколениями,
театр неизменно, неотрывно сопутствовал движению истории человечества.
1. Сущность театра , его назначение
Какие только перемены не происходили на земле — эпоха следовала за
эпохой, одна общественно-экономическая формация сменяла другую, возникали и
исчезали государства, страны, империи, монархии, в глубинах океана исчезла
Атлантида, разгневанный Везувий горячей лавой залил несчастную Помпею, на
долгие века пески занесли на Гиссарлыкском холме воспетую Гомером Трою, —
но ничто и никогда не прерывало вечного бытия театра.
Наидревнейшее творение человека, до наших дней сохраняет он неизменную
притягательную силу, неистребимую жизнестойкость, тот чудодейственный
эликсир молодости, секрет которого так и не открыли алхимики средневековья.
Во все предшествующие эпохи, сколько бы их ни насчитать — всегда, — жила
в человеке вечная потребность в театре. Та потребность, что зародилась
некогда на древних дионисовых празднествах винограда рей в честь
мифического божества земного плодородия
Театр нужен был человеку всегда!
(Десятки тысяч зрителе— чуть ли не все население городов-республик
—добирались на театральные представления в Древней Греции. И поныне
напоминанием о том служат полуразрушенные временем величественные
амфитеатры, сооруженные в бесконечно далекие от нас времена.
Как только не складывалась в прошлом судьбе театра! Он испытал, пережил
все, пока не обрел своего постоянного крова — театрального здания. его
представления давались всюду — на площадях и яр марках, на церковных
папертях, в замке знатного феодала, в монастырской обители, в раззолоченной
дворцовом зале, на постоялом дворе, в поместье вельможного крепостника, в
церковной школе, на сельском празднике...
Всякое бывало в его судьбе... Его проклинали, ненавидели, запрещали,
подвергали гонениям и издевательствам, наказаниям и преследованиям,
отлучали от церкви, грозили кнутами и виселицами, всеми небесными и земными
карами. Но в борьбе с ним сни кали его враги и гонители — короли, монархи,
государи, цари, императоры, невежественные властолюбцы.
Никакие испытания, никакие беды и невзгоды не сломили вечной жизнестойкости
театра.
В античные времена, еще более двадцати веков назад, о сокровенной сути
той силы, что так властно влечет человека в театр, размышлял греческий коме
диограф Аристофан. За что люди любят театр, за что так ценят его
мастеров?.. Они любят и ценят, отвечал первый комедиограф человечества, за
правдивые речи за добрый совет и за то, что разумнее и лучше делаю граждан
родной земли.
и Арнстофановых словах, не потускневших за длительную череду прошедших
столетий, познается высшее эстетически-нравственное, духовное, общественное
назначение театра.
назначение erо- — быть для людей школой жизни!
Школа жизни — самая древнейшая, самая удивительная- и эмоциональная, самая
праздничная, воодушевляющая, ни на что не похожая великая школа, — вот что
такое театр!
Театр — школа жизни. Так говорили о нем из века в век. Говорили всюду: в
России, во Франции, Италии, Англии, Германии, Испании...
Кафедрой добра называл театр Гоголь.
Герцен признавал в нем высшую инстанцию для решения жизненных вопросов.
Весь мир, всю вселенную со всем их разнообразием и великолепием видел в
театре Белинский. Он видел в нем самовластного властелина чувств,
способного потрясать все струны души, пробуждать сильное движение в умах и
сердцах, освежать душу мощными впечатлениями. Он видел в театре какую-то
непобедимую, фантастическую прелесть для общества.
По мнению Вольтера, ничто не стягивает теснее узы дружбы, чем театр.
Великий немецкий драматург Фридрих Шиллер утверждал, что «театр
располагает самой проторенной дорогой к уму и сердцу» человека.
«Зеркалом человеческой жизни, примером нравов, образцом истины» называл
театр бессмертный творец «Дон Кихота» Сервантес.
2. Театральное искусство, его особенности
Человек обращается к театру как к отражению своей совести, души своей — он
узнает в театре самого себя, свое время и жизнь свою. Театр открывает перед
ним удивительные возможности духовно-нравственного самопознания
И пусть театр, по эстетической природе своей, искусство условное, как и
другие искусства, на сцене возникает перед зрителем не сама реальная
действительность, а только ее художественное отражение. Но в отражении том
столько правды, что она воспринимается во всей своей безусловности, как
самая доподлинная, истинная жизнь. Зритель признает высшую реальность
существования сценических героев. Восклицал же великий Гёте: «Что может
быть больше природой, чем люди Шекспира!»
Не в этом ли и сокрыта чудодейственная духовная, эмоциональная энергия
театра, неповторимое своеобразие его воздействия на наши души...
Вам приходилось когда-либо видеть на концерте симфонической музыки
веселого, заразительно хохочущего человека?..
Можно, пожалуй, сказать уверенно: нет, не приходилось!
Вы не встречали в картинной галерее рыдающего человека, который не в
силах был сдержать горьких слез перед картиной живописца?..
Нет, тоже, наверное, не встречали!
А в театре?..
А в театре, в оживленном сообществе людей, собравшихся на сценическое
представление, возможно все: смех и слезы, горе и радость, нескрываемое
негодование и буйный восторг, печаль и счастье, ирония и недоверие,
презрение и сочувствие, настороженная тишина и громогласное одобрение, —
словом, все богатства эмоциональных проявлений и потрясений души
человеческой.
Не потому ли и не сопоставимо ни с чем столь непосредственное, душевно
открытое восприятие театрального действия?
Оно несопоставимо с творчеством писателя. Его книга — уже законченное
литературное произведение, и принимать ее следует такой, какая она есть,
какой вышла из-под пера автора, не считаясь с тем, из века в век.
Оно несопоставимо и с творчеством художника. Eго картина, его гравюра или
акварель — тоже уже за конченный процесс творчества. Художник может
экспонировать их на выставке, в картинной галерее, художественном музее,
может продавать их и дарит или хранить у себя в мастерской.
В отличие же от литературы, от живописи, скульптуры пришедший в театр
зритель становится не созидателем уже созданного, а непосредственным
соучастником творчества. Он активно вовлечен театром живой и волнующий
процесс самого создания сценического произведения — спектакля. Ведь
спектакль начинает жить только с того самого мгновения, когд. раскрывается
перед зрителем театральный занавес И перестает существовать, когда занавес
закрывается когда пустеет зрительный зал и потухают театральны огни.
Хороший спектакль надолго сохраняется в театральном репертуаре. Но всякий
раз, при каждой ново] встрече со зрителем он заново возникает, заново рож
дается. А потом, как и положено, его не станет: артисты разойдутся по
домам, со сцены уберут декорации унесут реквизит и бутафорию, и на
опустевшей сцен от спектакля, который только что так волновал и трогал
зрителя, ничего не останется.
Но сколько бы ни прошло после того времени, день, обозначенный на
театральной афише, он возник нет, как не однажды возникал и ранее. Между
сценой и зрительным залом опять возгорится чудесны! огонь взаимосвязи души
и мысли. И накал этого эмоционального, духовного взаимообмена непременно
скажется и на актерском исполнении, и на всей атмосфере зрительного зала.
В последующие дни, недели и месяцы все повторится снова и снова. Но
постоянно повторяемый спектакль не будет одним и тем же. Всякий раз, в
зависимости от сегодняшнего внутреннего состояния зрительного зала, от
сегодняшнего душевного настроя актеров и от множества других причин и
обстоятельств, способных повышать или же снижать эмоциональный тонус
творчества, он чем-то будет отличаться.
Один и тот же спектакль может идти при удивительно горячем, взволнованном
восприятии зрительного зала, при праздничном воодушевлении актеров,
импровизационном блеске их мастерства. И он же может пройти уныло, при
неожиданном зрительском равнодушии, без всякого подъема, словно кто-то
подменил актеров, только еще вчера с таким воодушевлением выступавших в том
же самом спектакле, в тех же самых ролях.
3. Театр средневековья
В недрах культуры Ренессанса сформировались в эмбриональном виде
мировоззрение и стиль барокко. Эпоха барокко наступила после глубокого
духовного и религиозного кризиса, вызванного Реформацией. В эту эпоху
своеобразный взгляд на человека и пристрастие ко всему театральному рождают
всепроникающий образ: весь мир — это театр. Для всех знающих английский
язык этот образ связан с именем Шекспира — ведь он взят из его комедии «Как
вам это понравится». Но его можно найти во всех крупных произведениях
европейской литературы. Богатый порт Амстердам открыл в 1638 г. городской
театр, над входом в который можно было прочесть строки крупнейшего
голландского поэта Вондела: «Наш мир — сцена, у каждого здесь роль своя и
каждому воздается по заслугам». А в соперничавшей с Голландией Испании
современник Вондела Кальдерон де ла Варка создал свой знаменитый шедевр
«Великий театр мира», представляющий мир как сцену в истинно барочном
смысле.
Люди того времени всегда чувствовали на себе глаз божий и внимание всего
мира, но это наполняло их чувством самоуважения, стремлением сделать свою
жизнь такой же яркой и содержательной, какой она представала в живописи,
скульптуре и драматургии. Подобно живописным портретам, дворцы эпохи
барокко отражают представление их создателей о самих себе. Это панегирики в
камне, превозносящие добродетели тех, кто в них живет. Произведение эпохи
барокко, прославляя великих и их свершения, поражают нас своим вызовом и в
то же время демонстрируют попытку заглушить тоску их создателей.
Тень разочарования лежит на искусстве барокко с самого начала. Любовь к
театру и сценической метафоре обнажает осознание того, что любое внешнее
проявление иллюзорно. Восхваление правителей и героев — в пьесах
французского драматурга Корнеля, английского поэта Драйдена и немецкого
писателя и драматурга Грифиуса, — возможно, было попыткой отсрочить
забвение, грозившее неизбежно поглотить всех, даже самых великих.
Многоцветная, сверкающая и жизнерадостная литература эпохи барокко могла
быть и другой — темной и пронзительной. Римский император Тит в трагедии
Корнеля «Тит и Берени-ка» говорит: «Каждое мгновение жизни — шаг к смерти».
4. Театральное искусство в России 19 века
Литейный театр.
В 1908 году прошли первые слухи о том, что В.А. Казанский строит на
Литейном проспекте театр, где будет работать кинематограф и предполагается
постановка одноактных пьес”. Он первый открыл в России театр одноактных
пьес. Театр на Литейном был третим театром антрепренера (после “Невского
фарса” и “Модерна” в Ново-Васильевском), который казанский намеревался
держать в сезоне 1908/09 г. “Невский фарс” начал сезон 9 сентября 1908
года. Ново-Васильевский - в конце декабря. Лишь о Литейном долго не было
никаких известий. И только в начале 1909 года появилось первое сообщение:
“4 января В.А.Казанский открыл свой , счетом третий, театр. В “Фарсе”
предприимчивый антрепренер угождает потребностям смеха. В театре “Модерн”
он развлекает публику последним словом электрофотографической техники. В
Литейном будет пугать”. Последняя фраза - не рецензентская шутка, а
константация факта. В рекламных объявлениях публику уведомляли о
серьезности постановок и лицам со слабыми нервами смотреть спектакли не
рекомендовалось. Ужасов на самом деле театр готовил сверх всякой меры и все
особой тяжести: убийства, гильотинирование, всаживание ножа в грудь,
обливание лица соляной кислотой.
На премьере зрителям показали три пьесы. В первой - врач-психиатр
насиловал загипнтотизированную им пациентку, а та мастя обидчику,
выплескивала ему в лицо склянку соляной кислоты (Лекции в Сальпетриере по
Э. По); в другой пьеске проститутка убивала соперницу в ночном кабачке
(“Мороз по коже”); в третьей - два журналиста, пришедшие в дом скорби,
чтобы сделать репортаж о новой системе лечения душевнобольных, чуть было не
лишились жизни. У одного из них сумасшедшие пытались вырвать глаз, другого
- выбросить в окно.
В том же духе были составлены и последующие программы театра. Афиша
русского “Grand Guignol”* пестрила страшными названиями: “Смерть в
объятиях”, “На могильной плите”, “Час расплаты”, “Последний крик”.
Чудовищным историям несть числа - и все с убийствами, патологическими и
изощренными.
Все эти странные и сверхъестественных истории разыгрывались с
величайшей обстоятельностью. Зрители и критики отнеслись к театру по-
разному. Первые - валили валом, вторые отчаяяно бранились. Критики писали,
что в театре на Литейном занимались антихудожественным, надуманном и для
петербурга раздражительным и чужим делом.
Что касается вторичности и подражательности предприятия Казанского,
тут рецензент несомненно прав. У Литейного театра был непосредственный
предшественник - парижский театр “сильных ощущений”, во главе которого
стоял создатель, режиссер и автор большинства “страшных” пьес Андре де
Лорд. Ему-то русский театр ужасов подражал буквально во всем - от
репертуара и специфических средств воздействия на публику до самого
названия - “Grand Guignol”.
Влас Дорошевич, посетивший парижский театр писал, что “в зале сидели не
кокотки, не кутилы, не прожигатели жизни, ищущие сильных ощущений, а тихие,
мирные буржуа, пришедшие пощекотать себе нервы зрелищем позора и
безобразия, нервы, огрубевшие от сидения за конторкой”.
Но сам дух русской жизни на исходе дсятилетия XX века не очень-то
напоминал благодушную атмосферу “belle epoque”, в которой пребывали
описанные Дорошевичем парижские обыватели начала столетия. При всей
переимчивости петербургского театра и честном его желании во всем следовать
французской моде, гиньольные кошмары на сцене Литейного получали иноф,
вполне российский смысл и подтекст. “Мы живем среди кровавых призраков, все
вокруг пропитано кровью”, - писал в 1909 году обозреватель “речи”. Его
слова могли бы повторить - и повторялись тогда - многие из тех, кто был
свидетелем первой русской революции и ее подавления.
Заливашя Россию кровь отталкивала и гипнотически манила, завораживала
застывшее в ужасе общество”.
Влечение к ужасному, отталкивающему, брутальному, которое уловили в
публике устроители маленького бульварного театра в Петербурге, захватывало
в свой плен не только обывателей, но и самые различные слои российской
публики, вплоть до интеллигенции. К.И. Чуковский, которому принадлежат
слова “Саван сделался самой модной в России одеждой. Трупы и трупики стали
львами сезона”, отмечал, что в обзоре сезона 1908/09 г. сильнейшую вспышку
некрофильства в литературе, приводил список произведений писателей за 1908
год. Эту завороженность вселенским отрицанием, мазохистское созерцание
смерти во всех ее обличьях К. Чуковский склонен объяснять крушением
революционного утопизма, которое постигло российскую интеллегенцию.
Однако политический ниглизм, вызванный поражением революции, был
только частью охватившей общество разрушительной болезни, лихорадочного
безверия, мании самоуничтожения.
В сознании людей сдвинулись прежде устойчивые представления об
истинном и мнимом, о жизни и смерти, о норме и аномалии. за истончившейся
пеленой жизни они услышали и дыхание бездны, таинственно притягательной и
единственно способной объяснить загадку бытия.
В 1912 году была опубликована статья Чуковского о повальном и
организованном явлении - суициде.
Но не прошло и двух месяцев с момента появления театра ужасов, как
Казанскому пришлось убедиться в непостоянстве петербургской публике: ее
интерес к театру увял. Публика пресытиласть пряной новинкой. Ужасы, как
самое сильное средство престали действовать. Театр по-прежнему пугал, а
публике не было страшно. Она шла в театр за сильными ощущениями, но она их,
к своему разочарованию, не получала. Кровавый гиньоль не мог пронять
жителей Петербурга. Как заметил современный обозреватель , “современную
публику, стрелянную действительной жизнью, никакой де Лорд и даже Эдгар По
не страшат”. Журнал “Театр и Искусство” писал, что у Казанского в театре
труппа далеко не первоклассная, да еще к тому же и плохо сыгравшаяся”.
Труппы в обычном смысле здесь и не было. В.А. Казанский держал один
актерский состав на две антрепризы - Литейный и “Невский фарс”. Пугая
сегодня зрителей в одном театре, актер должен был назавтра смешить их в
другом. Пьемы ужасов ставил тот же режиссер, который ставил фарсы в
“Невском”, - Павел Ивановсикй, в недавнем прошлом работавший в
Екатеринодарской драме.
На репетиции времени отводилось в обрез. Роли учились наспех.
Литейный театр представлял собой типичное для отечественной коммерческой
сцены предприятие - с полуграммотными текстами афиш и программок,
восходящих к балаганным анонсам, с дежурными костюмами и декорациями,
кочевавшими из спектакля в спектакль и из одного театра в другой.
Справедливости ради следует все хже отметить, что среди исполнителей
“гиньолей” были люди отнюдь не бесталанные и вполне профессионально
владевшие своим ремеслом. Кто-то из них окончил Императорское театральное
училище в Петербурге. Многие успели составить себе имя на частных
провинциальных и петербургских сценах. Однако в Литейном им приходилось
играть умолишенных, маньяков, садистов либо их жертвы.
И все же главная причина охлаждения публики к Литейному театру
крылась не в жалком уровне “гран-гиньольных” постановок и даже не в том,
что театр ужасов не мог состязаться с ужасами русской современности, а в
меняющейся атмосфере российской жизни.
В.А. Казанский с его способностью трезво оценить ситуацию и быстро в
ней сориентироваться, сразу же “видоизменяет физиономию театра ужасов на
физиономию просто театра кратких и разнохарактерных пьес”. Гиньоли и
мелодрамы, которые тем не менее остаются, он разбавляет пародями и
одноактными комедиями.
Пьесы, которые ставили в театре на Литейном Казанского, переводные
или отечественные, гиньоли или пародии, были, как правило, решительно
нехороши, даже когда автором Литейного театра выступал не кто иной, как Вс.
Э. Мейерхольд. Однако, став автором многочисленных пьес, критики получили
еще одну возможность свести счеты с Мейерхольдом.
Программы театра сильно изменились за три года его существования,
многие спектакли стали заканчиваться концертами (разнохарактерными
дивертисментами). В конце концов представления о театре на Литейном
достигли немыслимого разнообразия и какой-то невиданной доселе пестроты.
Удивительно, что внутри этого жанрового хаоса, едва он достиг
критической точки, в какой-то момент - сам момент был обозревателями
пропущен и не зафиксирован - произошло неожиданное сцепление элементов,
образовав новую зрелищную разновидность. Для нее сразу было придумано
название: “Мозаика”, которое на два года сменит прежне. Тут же за этой
новой формой закрепилось жанровое обозначение: “Театр миниатюр”. Театр без
жанра обрел, наконец, свой жанр.
Причем новизна этой зрелищной формы состояла лишь в самом способе
сцепления ранее не сводимых вместе элементов и в чрезвычайно дробной - и
чем дальше, тем все более мельчающей структуре. Сами же составные части
этой странной смеси были, как нетрудно заметить, совсем не новы.
Нарождающейся театр миниатюр “свое” находил повсюду.
Осенью 1912 года в театр пришел новый главный режиссер Г.Г. Ге,
известный актер Александринского театра. К тому времени Казанский уже не
был владельцем театра - он принадлежал теперь Е.А. Мосоловой. Казанский был
главным режиссером, но он начал давно отходить от дел, а в 1913 году он
умер, не дожив до пятидесятилетия. Умер Казанский в нищете, а деньги были
собраны по подписке.
С новым режиссером Мосолова связывала надежды на обновление
“Мозаики”. Близкий художественным кругам режиссер должен был, по ее
расчетам, облагородить стиль театра и осовременить его репертуар.
Перемены зритель почувствовал сразу де. Среди авторов миниатюр,
сценок и скетчей появились имена Б.Шоу, А.Чехова, Ги де Мопассана. режиссер
даже попробовал поставить на сцене бывшего театра ужасов “Веселую смерть”
Н.Евреинова. Но поставновка оказалась неудачной, и евреиновский трагифарс
сразу же со сцены Литейного сошел.
С приходом Г. Ге, вознамерившегося поднять “Мозаику” до уровня
искусства, программы театра не стали менее дробными. Время, отводиоме
номерам и сценкам, все более и более сокращалось, что вызвано резким
сокращением продолжительности представлений. Они шли теперь час десять -
час пятнадцать минут. Экономия во времени давала возможность каждый вечер
играть по три спектакля - в семь часов, в восемь тридцать и в десять сорок
пять.
Г. Ге покинул театра “Мозайка” очень скоро, не дотянув и до конца
сезона. Но это не помешало ему до конца дней оставаться убежденным в том,
что идея театра миниатюр принадлежит ему - о чем он и написал в своих
неопубликованных заметках.
В Литейном не раз сменялись художественные руководители, но это никак
не влияло на способ строения зрелища7 Сам структурный принцип жанра
миниатюр - мозаичное полотно, пестрый коллаж, накрепко схваченный
потребностью времени, - никак не сменялся. театр миниатюр вообще не
поддавался влиянию чьей-либо творческой воли, он складывался под
воздействием какого-то в неличного механизма, скрытого в недрах социальной
психологии.
Театр миниатюр на Троицокй.
К тому времени, как театр на Линейном незаметно и постепенно
превратился в новый зрелищный жанр, театр на Троицокй уже существовал. И
хотя возник он на три года позже Литейного, осенью 1911 года, именно он
первым стал именоваться “театром миниатюр”.
Несмотря на принадлежность к одному жанру, происхождение этих
предприятий прямо противоположно. В отличие от Литейного, где театр
миниатюр вырастал исподволь из низовых зрелищных форм - гиньоля, фарса,
мелодрамы и обозроения. Троицкий при своем рождении опирался на европейский
кабаре. Кроме иностранных кабаре, перед Троицким театром были образцы для
подражания и более близкие “Лукоморье” и “Черный кот”, “Кривое зеркало” и
“Дом интермедий” - все они, несмотря на свою короткую жизни, уже суспели
познакомить русскую публику с иноземной забавой и укоренить ее на
отечественной почве. Многие литераторы, композиторы, художники,
привлеченные к организационным и творческим заботам Троицкого.
Театр миниатюр сумел вплести в ткань своего зрелища и приемы
новорожденного кинематографа. Близость театра миниатюр и кино
обнаруживалась в одинаковой структуре зреш\лища - мелькающего, дробного, с
быстро сменяющимися изображениями.
Вторжение на театральные подмостки кинематографа немало смутило одних
критиков, привыкших презирать “киношку”. Другие, напротив, увидели в этой
беззаконной смеси знамение времени.
Театр миниатюр осмыслялся своими современниками как открытая во все
стороны система нового типа, лишенная каких бы то ни было рамок, в своей
подвижности, дробности, случайности, заменяемости составляющих ее частей,
как форма без формы. “Жанр миниатюры, - разъснял один из обозревателей, -
не ограничен никакими рамками, все подойдет: и маленькая драма, и водевиль,
и оперетта, и рассказ в лицах, и бытовая картинка, и танцы, и
кинематограф”. Троицкий так и строил свои программы.
Засилье на сцене Троицкого театра иноземных имен, одежд и пейзажей
объяснялось бы просто, если б театр ставил произведения исключительно
зарубежных автров. Но в том то и дело, что для театра писали
преимущественно отечественные литераторы.
Успехом у Троицкого пользовались “оперки”, былины, сказки, картинки с
пением, сочиненные с нынешними стилизаторами-авторами в подражание седой
старине.
Троицкий театр шел в ногу со временем. Источником вдохновения
служили не только моды, царившие в художественном обиходе. В постановках
сценических безделушек, из которых состояли его программы, нетрудно было
услышать и отзвук идей, рождавшихся в “большом искусстве”.
Троицкий был живым отражением своего времени, подводившего итоги. Но
вряд ли его руководителей одушевлял пафос наследников мировой культуры.
Эстетическую доминанту времени они воспринимали не более как художественную
моду, как современный стиль, которому должен следовать любой “культурный
человек”. То, что вынашивали в муках большие художники, перерабатывалось в
модное зрелище, сложные идеи переправлялись в легкий развлекательный жанр.
Стиль театра формировался усилием многих - и никого в отдельности.
Бессмертным в театре оставался только А.М. Фокин.
Основатель и владелец Троицкого театра, старший брат балетмейстера
был фигурой любопытной и неординарной. Он составил себе имя не в искусстве,
с которым до поры до времени не был связан, а в спорте, который только еще
входил в моду.
Разглядеть актерскую индивидуальность в том ворохе костюмов разных
времен и национальностей, которые едва успевают сменить исполнители, крайне
трудно. Да, и не в ней, не в индивидуальности, в данном случае дело. В
драматических, музыкальных и балетных реминисценциях были важны отнюдь не
особенности дарования того или иного актера, а умение каждого в отдельности
и вместе следовать общему стилю. Из всех дарований ценилось прежде всего
одно - умение имитировать художественный язык разных эпох, то есть
способность к стилизаторству. А эта способность в те годы открылась у
многих. То же требовалось и от авторов, режиссеров и художников.
О театре, где бы культивировалось искусство сценической миниатюры, о
“театре Мейсонье” в России мечтали давно. В Европе уже много лет
существовали “малые сцены” самых разнообразных видов и типов - от
коммерческих кабаре и артистических кабачков до камерных театров. На их
сценах вперемежку с короткими пьесками и миниатюрами выступали поэты,
композиторы и солисты-актеры. В русских путешественниках - особенно людях
искусства, - посещавших их “во время скитаний за границей”, они будили
восторг и пылкие желание открыть подобные сцены у себя на родине.
“Потребность в театре миниатюр присуща всякому народу”. Автором этого
изречения - почти афоризма - А.Р. Кугель, один из самых рьяных энтузиастов
этого направления в искусстве, был первым, кто сумел оценить эстетические
возможности малой театральной формы. Также Кугель написал ряд статей об
Интимном мюнхенском театре, в которыъ он отмечал, что интимный вид театра,
как гостеприимный дом, куда зрители просто приходят посмотреть на
представление. В этих представлениях нет ничего серьезного, они
непринужденны.
Попытки создать в России интимный театр предпринимались на протяжении
всего предреволюционного десятилетия. Однако в среде самых избранных людей
искусства он создан так и не был. Вместо него в Петербурге появилось
Общество интимного театра.
А сложился и существовал русский интимный театр в совсем другом
культурном срезе - в русле коммерческого зрелищного рынка, как одна из
разновидностей индустрии развлечений, которая, в свою очередь, тоже
ориентировалась на опыт европейских театров малых форм. Примечательно, что
устроители Троицкого театра видели в своем детище подобие именно
мюнхенского Интимного театра. С идеей интимного театра связана еще одна
метаморфоза и Литейного театра. В 1913 году он стал именоваться Литейным
Интимным театром.
Литейный Интимный театр.
“Театр отказался служить вкусам улицы и переименовался в интимный и
поставил ряд художественных пьесок, рассчитанных глвным образом на тонких
ценителей театрального искусства”, - так писал обозреватель о происшедших в
Литейном театре изменениях. Что касается публики, то она осталась, по
существу, прежней. Обращаясь к своим зрителям как к тонким ценителям, театр
явно им льстил. Характер же самих представлений кое в чем стал
действительно иным. С нового сезона ликвидировали систему сеансов.
Отказались и от кинематографа. Теперь уже никто не мог назвать Литейный,
как когда-то называли Троицкий, “театром при кинематографе”.
Происходившим в Литейном перемены были связаны с приходом Б.С.
Неволина, которому театр был обязан и новым названирем, и новым
художественным направлением. Пути Неволина и бывшего гран-гиньоля не раз
сходились. режиссер ставил здесь интермедии и сценки ежегодно с 1909-го по
1911-1 и даже в 1912, когда уже работал в Троицком театре. Теперь он пришел
в театр не только постоянным режиссером и художественным руководителем, но
и директором.
В утонченности и изысканности Литейный теперь ничуть не уступал
Троицкому. Стиль театра А.М. Фокина, к формированию которого был причастен
Б.С Неволин, стал стилем и театра на Литейном проспекте.
При всем стремлении Б.С Нволина идти в ногу со временем ему по душе,
по его актерской натуре гораздо ближе были мелодрамы, фарсы и комедии в
фарсовых тонах. Эта раздвоенность Неволина, умом хорошо понимавшего моду, а
по складу дарования тяготевшего к традиционному театру, везде и всюду
преследовала режиссера и была источником драматизма его творческой судьбы.
Его антрепренерская дейтельность в Литейном театре закончилась
скандалом и разрывом с Мосоловой. Он так и не смог выплатить ей деньги.
Мосолова подала на него в суд, потребовав уплатить всю арендную сумму,
нейстойку в 10. 000 рублей и наложить арест на кассу, декорации, мебель,
бутафорию и другое движимое имущество. Адвокату Неволина удалось выиграть
дело, доказав, что договор по театральной антрепризе между Неволиным и
Мосоловой не носил коммерческого характера, и потому не подлежит судебному
разбирательству. Благодаря этому Неволину удалось сохранить театральное
имущество, в которое были вложены его деньги, и открыть осенью 1915 года
новый театр - Интимный театр. Собственный театр Неволина,. по словам
основателя стал тетаром литературы и он не собирал должного количества
зрителей, и даже те, которые приходили повеселиться, уходили из театра
неудовлетворенными. Однако все же несколько спектаклей, принадлежавших к
жанру “примитива” покорили зрителей, и эти представления собирали полные
залы. Причины, которые привели “примитив” на сцену неволинского Интимного
театра далеко находились за пределами театра. Но и важную роль играли те,
которые коренились внутри театра. У Неволина не было никакой
художественной программы. Взамен весьма туманного “принципа литературности”
ему предложить было нечего. Поэтому начав с Метерлинка, он закончил жанром
“примитива”.
Петроградские театры миниатюр в годы войны.
Количество театров миниатюр за время войны заметно увеличилось. В
конце 1914-го начала 1915 годов газетная хроника отмечает всплеск
“миниатюромании”. Актеры, ради выгоды, переходят из драмы в театры
миниатюр, многие драматические театры кое-как сводили концы с концами, а
театры миниаатюр росли, как грибы после грибного дождя.
Происхождение театров миниатюр в это время происходило по двум
пути: Одни театры открывались и возглавлялись актерами, до этого служивших
в Литейном, Троицокм и “Кривом зеркале”, где и набирались опыта.
Путь к другим театрам миниатюр ведет от некоторых опереточных
предприятий, театров фарса и кафешантанов. Эту же эволюцию проделал в
прошлом развлекательный театрик “Павильон де Пари”. Это вообще путь многих
миниатюр в тот момент, когда распространение жанра приняло болезненно-
лихорадочный характер и журналисты стали писать о нем в терминах не
искусствоведческих, а санитарно-гинетических.
Превращение кафешантана в “миниатюру” было вызвано не только
популярностью нового жанра, но также и тем, что кафешантан стал
катастрофически терять публику.
Несмотря на разные названия и жанровые обозначения вновь возникших
театров, характер их представлений был на удивление одинаков. Программа
“Молодого театра” строилась “из одноактных комедий, опер, оперетт, балета,
пантомимы, инсценированных романсов и дивертисмента”. В “Веселом театре”
шли “драмы, оперетты, танцы, дивертисмент”. В “Павильоне де Пари” -
“короткие пьесы, оперетта, балет, силуэты, музыкальные картинки и
дивертисмент”.
Сращение кафешантана с интимным театром, на первый взгляд” странное и
противоестественное, было не таким уж и неожиданным. Россия здесь шла
проторенным путем. Нечто подобное происходило в Европе.
При всем сходстве с немецким взаимоотношение кафешантана и интимного
театра в России было все же несколько иным. Русская богема в кафешантан не
пошла бы ни за какие деньги.
На там же культурном “этаже “, что и “Павильон де пари” находилось
предприятие В.Ф. Лин (Театр Валентины Лин), с той только разницей, что в
театр миниатюр здесь был преобразован недавний театр фарса. Эволюция фарса
в новый театральный жанр была так же закономерна, как и шантана. Подобно
шантану, фарс тоже агонизировал.
Также стоит отметить “театры улиц” Петербурга. В них разрушались сами
основы народной культуры. Но именно здесь народная зрелищная культура
существовала в том виде, в каком она только и могла сохраниться в городе, в
условиях коммерческой индустрии развлечений.
Заключение
Искусство театра, в отличие от других искусств, живое искусство. Оно
возникает лишь в час встречи со зрителем. Оно основано на непременном""'
эмоциональном, духовном контакте сцены и зрительного зала. Нет этого
контакта — значит, нет и живущего по своим эстетическим закономерностям
спектакля.
Великая мука для актера выступать перед пустым залом, без единого
зрителя. Такое состояние равносильно для него пребыванию в замкнутом от
всего мира пространстве. В час спектакля душа актера устремлена к зрителю,
точно так же, как душа зрителя обращена к актеру. Искусство театра живет,
дышит, волнует и захватывает зрителя в те счастливые мгновения, когда по
незримым проводам высоковольтных передач происходит активный обмен двух
духовных энергий, взаимоустремленных одна к другой, — от актера к зрителю,
от зрителя к актеру.
Читая книгу, стоя перед живописным полотном, читатель, зритель не видят
писателя, живописца. И только в театре человек глаза в глаза встречается с
творящим художником, встречается с ним в момент творчества. Он угадывает
возникновение и движение его сердца, вместе с ним живет всеми перипетий-ми
происходивших на сцене событий.
Такое сопереживание — высокая радость, даруемая человеку театром. Оно-то и
таит в себе ту властную, магнетическую силу, что испокон веков влечет
человека в театр.
Читатель в одиночестве, наедине с заветной книгой, может пережить
волнующие, счастливые мгновения. А театр не оставляет своего зрителя в
одиночестве. В театре все зиждется на активном эмоциональном взаимообщении
тех, кто создает в этот вечер на сцене художественное произведение, и тех,
для кого оно создается.
Зритель приходит на театральное представление не как сторонний
наблюдатель. Он не может не выражать своего отношения к тому, что
происходит на сцене. Взрыв одобрительных аплодисментов, веселый смех,
напряженная, ничем не нарушаемая тишина вздох облегчения, безмолвное
негодование — в богатейшем многообразии проявляется зрительское соучастие в
процессе сценического действия. В театре воз никает праздничная атмосфера,
когда такое соучастие такое сопереживание достигают самого высокого
накала...
Вот что значит театр в жизни человека!
Вот что значит живое его искусство. Искусство, в котором слышится биение
человеческого сердца, чутко улавливаются тончайшие движения души и ума, в
котором заключен весь мир человеческих чувствований и мыслей, надежд»
мечтаний, желаний, нравственных обретений...
Искусство театра — искусство чудесного общения души с душою, сердца с
сердцем...
На всю жизнь в сердце Достоевского сохранилось то потрясение, что было
пережито им в десятилетнем возрасте в Малом театре на представлении
«Разбойников» Шиллера с участием великого Мочалова.
Вот что значит театр в жизни человека!
Литература
1. Н. Абалкин «Рассказы о Театре» Москва 1981год
2. Вл.И. Немирович- Данченко «Рождение Театра» Москва 1989год
3. Ю.И. Кагарлицкий «Театр на века» Москва 1987 год
4. Сорочкин Б.Ю. «Театр между прошлым и будущим» -Москва 1989 год |
